SeMA

Press Release Ver. 1

2018. 3. 26.

홍보담당 김채하

Public Relations Kim, Chae Ha

T. 02-2124-8928

E.mail. chaeha@seoul.go.kr

webhard. http://sema.webhard.co.kr

ID:semapress PW:sema

서울시립 북서울미술관 SeMA 소장작품 기획전

《잃어버린 세계》

: 자연에 대한 태도들

	전시명	SeMA 소장작품 기획전 《잃어버린 세계》
	전시기간	2018. 3. 27(화) - 2018. 7. 1(일)
	전시장소	서울시립 북서울미술관 전시실2
	전시부문·작품수	회화, 조각, 영상, 설치등 39점
	참여작가	이우환, 박서보, 하종현, 윤석남, 최욱경등 23명
	주최·후원	서울시립미술관

●  70년대 이후 한국 모노크롬 회화 중 서구의 미니멀리즘, 개념미술과는 달리 물질 그 자체보다 작가의 행위와 신체성을 통해 자연과의 합일을 이루고자 했던 작품들

●  80년대 이후 여성적 생명력과 몸의 기억이 만들어낸 치유의 감각들, 보살핌의 윤리를 통해 인간 이성의 우위를 강조했던 기하학적 모더니즘 미술을 넘어선 작품들

●  자연에 대한 절대적인 잣대나 그 밑에 내재된 문화적 가정을 해체하여 합리적, 기계론적 세계관에 도전하는 동시대 작품들을 소개

●  전혀 다른 표현형식을 가졌고, 각각이 미술사적으로 특징적인 양상으로 분류될 수 있는 세 가지 경향의 작품들을 ‘자연을 이상향이자 대안적 가능성으로 상정하고 끊임없이 그것을 추구해 온 작가들의 태도’로 꿰어냄

●  이 태도들이 근대 이후 자연을 정복하고자 했던 이들이 행한 사회문화적이고 실질적인 억압을 벗어나려 한 시도이자, 디지털 환경 하에서 자연의 의미가 변화하는 시대, 시각 이미지와 작가, 자연간의 관계 맺음을 다시 생각하게 하는 매개임을 보여주고자 함

SeMA Seoul Museum of Art	Press Release Ver. 1	잃어버린 세계

전시 내용

《잃어버린 세계》는 서울시립미술관이 수집해 온 작품들을 중심으로 현대미술이 자연과 관계 맺어온 태도를 새롭게 연결하고 읽어보고자 한다. 특히 절대적인 것에서 유기적이고 맥락적인 체계로 이행하고자하는 동시대의 다양한 실험과 도전들 뿐 아니라 80년대 이후 여성적 생명력과 몸의 기억이 만들어낸 치유의 감각들, 또 70년대 이후 자연과의 몰아적 조응을 보여주는 작가들의 창작태도를 소개한다. 이 미술사적으로 특징적인 양상들을 묶어낸 이유는 두 가지이다. 첫째는 근대 이후 자연을 정복하고자 했던 주체가 보여주는 정교하고 다양한, 사회문화적이면서 실질적인 억압에 대해 타자의식을 가지고 벗어나려했던 시도들이라는 점, 두 번째는 외형적으로 흡사하나 그것이 만들어진 내적 논리는 완전히 다른 시각 이미지들의 뿌리를 다시 복기 할 수 있다는 점이다. 다양한 사회적 배경, 디지털 환경 하에서 변주되는 이미지들과 자연과 신체에 기반한 실제적 이미지들을 비교해 볼 수 있을 것이다. 이를 통해 현대미술이 자연을 매개로 보여주는, 잃어버린 세계에 대한 대안에 대해 생각할 수 있는 기회가 되기를 기대한다.

세 가지 특징적 양상을 구체적으로 들여다보면 다음과 같다. 첫째, 한국 모노크롬 회화 중 서구의 미니멀리즘, 개념미술과는 달리 물질 그 자체보다 작가의 행위와 신체성을 통해 정신과 물질, 주관과 객체, 자아와 세계간의 이원성을 뛰어넘는 자연과의 합일을 이루고자 했던 작품들이다.

둘째, 여성적인 사고의 틀을 가진 작품들이다. 여성은 역사 이래로 거대한 사회 구조 하에서 주변적 타자로 존재해 왔다. 이는 타자로서 자연과의 일체화를 가능하게 했을 뿐 아니라, 인간 이성의 우위를 시위하는 기하학적 모더니즘 미술을 넘어 여성적 생명력과 촉각적 감각, 보살핌의 윤리를 복권한다.

세 번째는 새로운 관점을 바탕으로 합리적, 기계론적 세계관에 도전하는 동시대 작품들이다. 작가들은 때로는 유사과학적 모델이나 역설적 전형을 수용하여 비현실적 상황 속에 절대적인 기준에 대한 질문을 던지기도 하고, 세계를 관찰하고 체계적으로 데이터를 모으는 과학적 방법으로 작업하되 그 밑에 내재된 문화적 가정을 해체하기도 한다.

서울시립미술관은 다시, 여러분을 《잃어버린 세계》에 초대한다. 그리고 자연이 우리 삶과 어떻게 연결될 수 있는지 살펴볼 수 있게 되기를 바란다.

SeMA Seoul Museum of Art	Press Release Ver. 1	잃어버린 세계

전시연계 프로그램

● 프로그램 개요

전시 연계 워크샵
	프로그램명	대상	기간	장소	신청방법
1	초등학급 프로그램	초등학급단체30명	5.11, 5.18 금요일 10:00-12:00	B1, 스튜디오1	홈페이지 안내

전시 연계 강연
	프로그램명	대상	기간	장소	신청방법
1	작가와의 대화	일반인 30명	5.25 금요일 14:00-16:00 (예정)	B1, 스튜디오1	홈페이지 안내

모든 프로그램은 미술관 사정에 따라 변경될 수 있으며, 예약 방법 및 자세한 내용은 서울시립미술관 홈페이지에서 확인하시기 바랍니다.

T. 02-2124-5277

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자연과의 몰아적 조응
조응 Correspondence 1993, 227.5×182cm, 캔버스에 유채 Oil on canvas	이우환은 인간을 이분법적으로 분리하는 서구의 근대의식을 비판하고, 자신의 존재는 타(他)와의 관계 속에서 확인 할 수 있으며 이 관계를 통해 세계를 이해할 수 있다고 보았다. 나무, 돌, 흙 등 물체에 예술가가 최소한으로 개입함으로써 대상의 물성과 물성간의 관계와 만남을 중시하는 ‘모노하(物派)’의 중심으로 활동하였다. 작가는 이후 70년대 중반으로 접어들며 공백의 캔버스에 몇 개의 점을 찍음으로써 생생한 무한의 장면을 끌어낼 수 있다고 보았다. 작가 스스로는 작품이 작가의 행위의 흔적이자 ‘무한으로의 통로이며 문’이라고 표현하였는데 이 작품은 그러한 관점에서 무한한 외재성, 타자적 의미를 환기한다.
접합 02-36 Conjunction 02-36 2002, 194×260cm, 마대에 유채 Oil on and pushed from back of hempen cloth	하종현은 1960년대 앵포르멜 작업에서 시작하여 기하학적 추상, 1970년대 한국 아방가르드 협회(AG)에서의 신문지, 용수철, 나무 등을 활용한 실험적인 설치미술을 거쳐 1974년 시작된 캔버스 작업 〈접합〉 연작에 이르렀다. 〈접합〉은 성긴 마대천 캔버스 뒷면에서 물감을 밀어 넣어 배어나오게 한 특유의 작업으로 작가의 다양한 신체적 행위가 물질-신체-평면으로 접합되어 나타나는 작품이다. 작가의 반복적인 행위의 과정은 캔버스의 뒷면에서 배어나오는 물성으로 귀결되며, 작가는 이런 융합 과정에서 얻어지는 자연스러움을 통해 우리의 일상적인 삶의 세계가 자연과 거부감 없이 어우러지는 모습을 보여준다.

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무제 Untitled 1982, 116×89cm, 화선지 Korean paper 2006 權寧禹화백 기증작품 Donated artworks	권영우는 1960년대 수묵채색 위주의 전통화단에서 추상형식을 과감하게 실험함으로써 한국화의 새로운 가능성을 제시했다. 그는 붓과 먹을 사용하는 대신 주로 한지를 여러 겹 겹쳐 바르거나 구멍을 뚫고 칼자국을 내며, 화면의 뒷면에서 앞으로 색채를 침투시키는 기법을 활용했다. 그러한 과정에서 칼이 남기는 흔적에 미묘한 차이를 두거나 점과 선을 활용하여 화면구성에 변화를 부여하고 다채로운 색을 도입하는 등 다양성의 변주를 시도했다. 이번 출품작 역시 반복적인 작가의 행위가 한지의 물성과 조우하며 생겨난 효과로 물(物)과 아(我)의 만남 또는 자연과의 합일의 하나의 예를 보여준다.
묘법 No.991009 Ecriture No.991009 1999, 260×200cm, 한지 위에 혼합재료 Mixed media on Korean paper	박서보는 한국전쟁 이후 50년대의 ‘반(反)국전’과 ‘추상운동’, 60년대 말부터 80년대까지의 단색화 운동 등 우리나라 현대미술의 모더니즘 경향을 이끌어왔다. 특히 이우환과 교류하면서 연필로 그린 〈묘법〉 시리즈를 처음 발표한 후, 1980년대 초반 이른바 ‘중·후기 묘법’으로 일컬어지는 한지 묘법으로 전환하였다. 1980년대 중반부터 2000년대까지의 중기묘법 시기에는 ‘지그재그 묘법’과 ‘수직묘법’이 주로 검은색 한지 평면 위에서 펼쳐졌으며, 이후 후기묘법의 시기, 특히 2000년대 후반 이후에는 컬러를 치유의 수단으로 도입한 묘법을 선보였다. 작업과정에서 작가에게 엄격한 자기통제를 요구하는 이 작품은 자기 수양과 정신의 순수성을 상기시킨다. 또한 그는 이를 ‘그린다는 행위를 통해 공의 경지로 해탈하여 자연과 동화하는 것’이라고 말하고 있다.

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UMBER BLUE 77#41 1977, 270×139.8cm, 마에 유채 Oil on hemp	윤형근은 하종현, 정상화, 박서보 등과 함께 한국의 모노크롬을 대표하는 화가이다. 1970년대 전반까지는 청다(靑茶)시리즈로 캔버스 물감이 번지고 스며드는 효과를 이용하였으나, 1970년대 후반에는 색띠의 번지는 효과가 보다 단순해지고 형태도 색면으로 변하며, 무엇보다 올오버적인 화면이 여백을 수용하는 공간으로 화하게 된다. 동양적인 여백을 수용하여 자신의 독자적 세계를 구축한 것이다. 작가 본인은 자신의 작품에 대해 ‘자연과 가까운 것’이라고 하였는데, 생마포의 캔버스 위에 물감을 반복적으로 흡수시켜 무작위의 작위라고도 할 수 있는 표정을 만들어 내었다.
楮(저) No.88055 Tak No.88055 1988, 182×258cm, 캔버스에 한지 Korean paper on canvas	정창섭은 앵포르멜에서 시작하여 모노크롬을 거쳐 닥종이를 사용한 〈닥〉, 〈묵고〉 등 한국 고유의 전통적 울림을 내포한 작품들을 통해 독자적인 예술세계를 만들어 나갔다. 물기를 머금은 닥 반죽을 캔버스에 올려 손과 닥의 직접적인 교감을 통해 발현되는 섬세하고 미묘한 종이 결이 인상적인 〈닥〉 연작과 금욕주의적인 색채와 질서정연한 사각의 형태 등 최소한의 언어로 귀의한 그의 마지막 연작 〈묵고〉는 정창섭의 세계를 대표하고 있다. 그는 자신의 작업이 인위적 조형이 아닌 종이의 물성적 실존성에 자신의 감수성을 동화하여 물(物)과 아(我)의 일원적 합일을 체험하는 쪽으로 진행하게 된 것이라 말하고 있다. 물(物)과 아(我)의 합일 또는 동양적 운율의 추출 등 자연주의를 내비치고 있다.

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무제 Untitled 1980, 201×106(지름)cm, 나무 Wood	곽인식은 1960-1970년대 일본의 모노파 미술에서 선구적 위치를 차지하고 있다. 모노파는 재료의 물성을 강조하며 나무, 쇠, 유리, 돌 등 물질에 관심을 가지고 있었다. 이미 존재하는 물질에 최소한의 행위를 가함으로써 사물의 물질성을 고찰하고 표면과 이면의 문제를 파고든 것이다. 이 작품은 그가 서구 조형예술의 특징인 테크닉을 바탕으로 한 인위성을 버리고 자연계의 가공하지 않은 사물 또는 표현 과정 자체를 있는 그대로 제시하고자 노력했던 실천의 산물이다. 그는 이를 통해 소재 자체의 생명력을 존중하고 그 존재의 언어에 귀 기울이고자 하였다.
여성적 생명력과 기억
화이트 룸 – 어머니의 뜰 White Room 2011, 가변크기, 혼합재료 Mixed media	윤석남은 한국 페미니즘 미술의 선구자로 불리는 대표적인 여성작가이다. 1979년 40세가 되어서야 미술에 입문해, 어머니의 이야기를 시작으로 하여 모성, 여성성, 여성의 역사, 생태 등 다양한 이슈를 치유의 시선과 타자애로 주제화하는 한편, 그것을 특유의 조형언어로 시각화 해왔다. 2000년대 들어 작가는 급속히 인간이 가진 이기심에 거부감을 가지게 되었으며, 인간과 그 역사를 넘어 자연과 그 근원으로서의 생명 현상을 아우르는 보다 넓은 지평의 작업으로 전환하였다. 2010년부터 시작된 종이오리기 작업 중 〈화이트 룸〉 역시 작가가 천착했던 주제인 ‘어머니’를 다루되, 보다 넓은 의미의 모성, 삶과 죽음, 자연을 연결한다. 인간이 죽은 후에 아무 것도 없이 빛으로만 남게 된다는 믿음 하에 빛으로 가득 찬 〈화이트 룸〉을 제작한 것으로, 어머니의 고통과 슬픔을 위로하고 지모신의 품으로 다시 돌아가고자 하는 염원을 담았다.

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피의 흐름 1 Blood Flow 1 2010-2011, 44×44cm, 종이에 채색 colors on paper 작가 기증 Donated artworks	김주현은 기하학적 형태의 반복 패턴들이 자가증식하고 서로 관계를 맺으면서 유기체적 성격을 드러내도록 끊임없이 ‘점’,‘선’,‘면’을 확장시킨다. 이를 통해 모더니즘 미술의 그리드를 넘어 모든 것들의 관계가 얼마나 복잡하고 예측불가능하며, 임의적인 것인지를 그려낸다. 〈피의 흐름〉 연작은 2009년 이후 식물 뿌리의 유연함과 생명력을 관찰하며 시작한 곡선 드로잉 중 하나이다. 작업과정에서 한 획의 선이 그 다음 선에 영향을 주고받는 상호 연관성이 강조되었는데, 이 작품이 생태계의 합리적인 구조를 거스른 결과로서 나타난 구제역과 그에 희생된 동물들을 생각하며 그려졌기 때문이다. 자연을 정복의 대상으로 생각해 온 근대적 사고에 대비해 새로운 생명력을 제공하는 다양한 층위의 그물망 관계를 되새기게 한다.
빌렌도르프의 비너스 The Venus of Willendorf 2012, 107×105×105cm,76x80x80cm,145.5x97cm 레진, 가죽, 조명, 금속, 캔버스, 아크릴 등 resin, leather, light, metal, canvas, acrylic etc.	김나영 & 그레고리 마스는 통속적이고 진부한 소재와 예술적 정치적으로 이미 무너져 버린 이데올로기를 회고하는 오브제를 뒤섞고, 시각적 규범으로서의 ‘조화’를 극단적으로 무시함으로써 관객의 시각과 인식 사이의 틈을 벌린다. 〈빌렌도르프의 비너스〉는 구석기시대 유물이자 오랫동안 미술에서 번역, 차용되어 온 오브제로서 여성의 신체에 대한 페티시즘의 상징이다. 김나영&마스는 이런 ‘몸의 비너스’를 ‘정신적’으로 바꾸어 놓는다. 머리는 명상하는 조각의 상징인 브랑쿠시의 두상조각처럼 독립적으로 따로 떼놓고, 머리가 떨어져 나간 자리와 떨어져나간 머리에는 반짝이는 아이디어를 뜻하는 조명을 설치했으며, 다리 역시 정신적 스포츠인 바둑판으로 재현하였다. 캔버스의 작품은 유토피아, 디스토피아, 섹슈얼리티를 뜻한다. 이를 통해 유머러스한 방식으로 경직되거나 왜곡된 여성에 대한 시각과 이데올로기를 돌아보게 만든다.

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무제 Untitled 2005, 76×47×54cm, 모조잎, 오브젝트 imitation leaf, object	박소영은 버려진 기성품에 모조 이파리를 촘촘하게 붙여 전통적인 수공예의 원리와 산업사회의 원리, 작가의 육체적 노동과 정신성을 한번에 보여주면서 조각의 경계와 조각가의 정체성에 대해 질문한다. 이 작품은 한때 중산층 가정에서 장식품으로 인기를 누렸던 고목에 모조 이파리를 붙여 본래 만들어진 목적과는 다른 새로운 가치와 생명을 부여했다. 마치 파충류 같기도 하고, 하늘로 비상하는 불사조 같은 새로운 덩어리가 재탄생했다.
Are you Depressed? 1971, 207.5×145cm, 캔버스에 아크릴 Acrylic on canvas	최욱경은 독특한 색채 추상 작업을 선보인 작가로서, 그의 작업은 크게 세 시기로 구분되는 특징을 보인다. 미국 유학시기인 1960년대 작업은 당시 미국 화단을 휩쓸었던 추상 표현주의를 수용하여 구체적인 형상 없이 즉흥적인 붓질과 원색을 사용하여 역동적인 화면을 보여주었다. 서구의 양식을 수용하는 과정을 거쳐 1970년대에 이르러서는 독자적인 조형세계를 구축하게 된다. 이 시기 작업들은 이전 시기의 에너지로 가득 찬 거친 화면에서 벗어나 곡선으로 이루어진 리드미컬하고 유기적인 형태와 밝은 색채를 보여준다. 1978년 귀국 이후부터 생을 마감하기까지의 작업들에는 한국의 이곳저곳을 여행하면서 느낀 자연의 아름다움과 거기서 얻는 영감이 표현되기 시작한다. 밝은 파스텔 빛의 색을 많이 사용하면서 강렬한 태양광선과 이로 탄생되는 자연의 생명력을 표현하였다. 또한 이 시기에는 여성으로서의 정체성에 대해 고민하였는데, 작가는 이러한 감성을 화면에 시각화하고자 하였다. 그 결과 여성의 신체나 꽃을 연상시키는 형태의 작품들이 제작되었다. 이러한 작업에서는 작가 특유의 섬세한 감성을 통해 사랑, 환희와 같은 여성성의 일면이 잘 표현되었다. 이처럼 최욱경은 어떤 설명적인 대상이 아니라 자신의 감성 그 자체를 시각적으로 표현하고자 하였다. 마치 음악과 같은 순수 추상형태를 통해 자신의 인간적 고뇌와 고독, 행복과 기쁨, 생명력 등을 화면에 담아내었다.

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자연(自然)2 Nature2 2010, 259.5×194cm, 캔버스에 유채 Oil on canvas	한국 추상미술의 1세대인 김환기에 사사받은 석난희는 ‘자연’을 테마로 작업하는 추상화가이다. 1960년대 앵포르멜 2기에 등단한 석난희 역시 ‘자연’에서부터 영감을 받는다. 그는 자연 속에서 발견한 긴장감과 속도감을 붓이 아닌 나이프를 사용하여 추상적이며 자유로운 필치로 표현하였다. 그의 단색조 회화 작품들은 1960년대부터 한결같이 자연과 연관된 제목을 갖고 있지만, 그 표현기법은 시대별로 변화해 초창기의 암갈색 화면이 이후에는 푸른 빛 혹은 연보랏빛이 감도는 색으로 변한다. 자연의 생동하는 기운을 그려냄으로써 작가는 “자연이 얼마나 아름다운지, 내가 얼마나 그에 못 미치는지”를 표현하고자한다.
망각에 부치는 노래 Ode à l'Oubli 2004, 28×33×4cm(×34),27×77×4cm, 직물, 다색 석판 Fabric and color lithograph, ed.11/25	루이스 부르주아는 양식적 다양성과 표현주의를 통해 자전적 이야기를 소재로 트라우마와 자기 치유, 페미니즘 같은 주제를 다루는 작가로, 20세기 가장 중요한 조각가 중 한 명으로 평가받고 있다. 이 작품은 작가가 결혼 후부터 노년이 되기까지 자신이 입던 옷과 사용하던 천을 재배열 한 후 바느질해 만든 36쪽의 그림책을 펼친 것이다. 그는 향수, 그리움, 아픔과 상처를 잊어버리기 위해서는 화해와 용서가 필요하다고 보고, 바느질이 그 모든 것을 함께 엮어 훼손된 것을 치유할 수 있다고 생각했다. 〈망각에 부치는 노래〉는 보살핌이나 생존의 수단으로서의 바느질이 ‘망각’을 넘어 여성의 기억을 어떻게 기록하고 승화시킬 수 있는지 보여준다.

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Underworld 1999, 138×112cm, 캔버스에 유채 Oil on canvas 작가 기증 Donated artworks	써니킴은 인간의 상실되고 불안정한 기억을 불러일으키는 이미지들을 회화의 형식으로 재구성하고, 그들 너머의 기억 혹은 상상이 만들어지고 사라지기를 반복하는 일시 정지된 ‘허구의 공간’을 구축한다. 써니킴은 중학교 때 미국으로 이민을 갔다가 성인이 되어 돌아왔는데, 그의 작업에 등장하는 교복 입은 소녀들의 이미지는 막상 작가가 경험하지 못한 시간의 존재들이다. 때문에 다른 이들의 기억이라 할 수 있는 과거의 사진, 영화, 신문 스크랩, 잡지의 이미지들과 십장생, 산수화 등을 조합하여 가공한 이 아름답고 마술적인 환영은 기억과 망각, 사실과 허구, 과거와 현재, 성장과 죽음들을 넘나든다. 또한 이러한 방법은 개인의 기억을 넘어 거대한 역사적 실제의 영역을 그려내는 것이기도 하다. 이 작품에는 전통 자수의 모란꽃, 종달새 등의 이미지들이 배경에 병치되어 있는데, 인물을 감싸거나 감정을 투사하는 역할을 할 뿐 아니라 미지의 이상향을 꿈꾸는 행복이 충만한 세계이자 전통과 여성성의 세계를 의미한다.
보물섬 Treasure Island 2014, 11min 9sec, HD싱글채널 비디오, 스테레오 사운드 HD Single channel video, color, stereo sound 작가소장 Courtesy of the artist	전소정은 연극적 무대와 퍼포먼스, 고전 텍스트를 차용한 내러티브의 개입 같은 방법을 활용하여 일상에서 만난 타인의 삶 속에 담긴 다양한 이야기들을 사진, 설치, 영상 등으로 제작해왔다. 〈보물섬〉은 2010년부터 제작된 〈일상의 전문가〉 중 하나로, ‘소박한 직업’, 오늘날 거의 사라진 일들, 그래서 특이한 노동의 리듬을 부여하는 소수의 사람들을 영상에 담는다. 은유적으로 드러나는 사회적 압력에도 불구하고, 그들의 행동은 기묘한 아름다움과 어떤 한계를 극복하고자 하는 의지를 동시에 보여준다. 작가는 이들을 통해 개인으로서, 예술가로서의 태도에 대해 사유한다. 〈보물섬〉은 해녀에 대한 이야기이다. 이상향을 꿈꾸는 내용의 노동요 ‘이어도사나’와 함께 바다로 향하는 해녀들의 모습은 ‘여행 떠나기와 귀환’, 보물을 선사해주는 ‘모성애의 지표로서의 바다’, ‘삶과 죽음, 현실과 신화, 외부와 내부의 경계’ 같은 다양한 뜻을 내포하면서 이상향을 추구하는 강인한 존재의 예술적 태도를 드러낸다.

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기계론적 세계관에 대한 도전
Post Tenebras Lux 01 2014, 90×90cm, 아카이벌 피그먼트 프린트 Archival Pigment Print	기슬기는 물질적 현상이나 공간에서의 경험에 대한 관심을 은유적이고 압축적인 방식으로 표현하는 작가이다. 〈Post Tenebras Lux〉 시리즈는 라틴어로 ‘어둠 뒤에 빛이 있으라’ 라는 뜻이다. 이는 말 그대로 어두움과 그 뒤의 빛을 작품에 모두 포함하고 있는 것이라 할 수 있으며, 작가가 계속해서 추구해왔듯이 보이지 않는 것을 대상화하여 기록하던 방식에서 기인한 것으로 볼 수 있다. 셀프타이머를 이용하여 작가가 직접 연출한 움직임을 잔상으로 남긴 사진 작업이다. 있는 그대로의 모든 것을 상징하는 듯한 자연 안에서 정해진 바 없는 충동적인 움직임에 의해 만들어진 결과로서의 이미지는, 감각하고 인지하는 모든 것이 절대적인 것이 아니라는 인식 전환의 계기를 마련한다.
비스콘티 길 Rue Visconti 2006, 118×148.5cm, 라이트젯 프린트, 유리액자 Light jet print, glass frame	장성은은 공간과 인체를 주제로 사진 작업을 해 왔으며, 〈비스콘티 길〉은 신체를 도량형으로 치환한 ‘공간측정’(2006-2010)시리즈이다. “그 길의 넓이는 19명이다 : 그 길은 좁다”라는 명제를 달고 있는 이 작품은 유럽 한 도시의 좁은 길이라는 평범한 공간을 사람의 몸을 측정 단위로 삼았다. 인체를 도량형으로 간주해 추상적이고 복잡한 사물과 공간의 관계를 새로이 그려내었으며, 이는 인간만이 부여할 수 있는 공간의 지각을 기록한 것이기도 하다.

SeMA Seoul Museum of Art	Press Release Ver. 1	잃어버린 세계

말 없는 말 Words without Words 2015, 5min 7sec, 2채널 비디오, 흑백, 스테레오 사운드, 철제 프레임 2-Channel video installation, B&W, stereo sound, iron frame	권아람은 ‘언어’, ‘시간’, ‘물질’과 같은 문명의 근본적인 요소들에 주입된 관념과 사고체계를 분해하는 작업을 진행하고 있다. 이 작품은 사변적 서사에서 출발한 하나의 영상시(video poem)이다. 육중하게 굴러가는 시대의 흐름에 희생양이 되는 개인의 무기력한 자화상은 시지프스의 돌에 비유되고, 흑백으로 교차되는 채널과 반복적인 메트로놈 사운드는 둘이지만 하나인 정반합의 관계를 암시한다. 영상 속 텍스트는 소설 ‘파우스트’에서 출발하였지만 반연극의 양식처럼 상투적인 대사, 시점 없는 구조, 전달능력을 상실한 말들이다. 주어진 기표와 기의의 층위에서만 존재하여 개인의 추상성에 맞닿을 수 없는 도구적 언어의 한계 안에서, 말의 충돌을 통해 삶의 모순과 갈등을 은유적으로 드러내는 작품이다.
사이보그 Cyborg 2000, 53×40×29cm(×3), 실리콘 Silicon	이불은 조각, 설치, 퍼포먼스, 회화, 드로잉, 영상 등 다양한 매체를 사용해 대중문화와 고급예술의 경계를 허물고 그로테스크한 것과 매혹적인 것을 접합하며 키치와 첨단기술을 결합하는 가운데 개인사와 사회 비판적인 역사의식을 투영한 전위적인 작업을 해왔다. 〈사이보그〉는 여성들의 성형수술 재료로 흔히 사용되는 부드럽고 탄력 있는 실리콘을 재료로 만들어진 여성 토르소로서, ‘사이보그’가 통상 가지고 있는 ‘남성’, ‘기계’ 라는 고정관념에 도전한다. 또한 근대적 인간 개념을 넘어서는 포스트휴먼으로서의 사이보그는 남성/여성, 문화/자연 등의 이항 대립을 해체하고 더 나아가 가부장제 사회가 드러내는 억압의 기제를 전복한다. 모든 종류의 위계를 넘어서는 해방의 의미도 포함하지만, 미래의 인간상, 완전함을 향한 욕망, 인공적인 것에 대한 공포를 아우르고 있는 작품이다.

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자산어보(玆山魚譜) : 그림 없는 자연사, 석수어편 2017, 가변크기, 다매체 설치(시각문화자료, 생액침표본, 텍스트, 문헌) Multi-media installation(visual culture archives, dissection materials, text, literature) 작가소장 Courtesy of the artist	〈자산어보(玆山魚譜)〉는 1801년부터 1814년까지 흑산도에 유배한 정약전(丁若銓)이 1814년 집필한 책으로 알려져 있다. 우리나라의 초대 해양생물학자 중 한 명인 정문기(鄭文基)가 1943년 현대어로 번역하고 해설한 내용이 1977년 지식산업사를 통해 출간되었고, 이를 계기로 대중에 알려질 수 있었다. 이 문헌은 실학자의 관점에서 수산자원을 어떻게 얻어서 이용할 것인지에 집중한 서술이기 때문에, 생물의 물리적 형태와 구조를 관찰하고 기록한 서구식 분류학의 관점과 차이를 보인다. 또한, 생물의 모습을 묘사한 도해가 전혀 포함되지 않은, 글로만 이루어진 기록물이다. 〈玆山魚譜: 그림 없는 자연사〉는 “19세기 조선의 생물 기록물에 왜 도해가 활용되지 않았는가?”라는 질문을 탐구하기 위해, 시각문화와 생물분류의 관점에서 고전 문헌을 번역하고 분석하는 과정을 보여준다. 책에 등장하는 형태적 서술을 수집하고, 그에 해당하는 생물 조직 및 기관을 해부하고 보존한 생물표본을 통해 시각 정보로 변환하는 과정을 거친다. 이를 통해 생물의 생태가 실학자의 텍스트로, 그리고 다시 현대 생물의 신체로 재현될 때 발생하는 시선의 차이를 조사한다. 이 연구는 미술가 이소요가 2017년 하반기에 시작하여 진행 중에 있으며, 이 자리를 빌어 원문에 등장하는 200여 종의 해양생물 중 ‘석수어(石首魚)’ 편에 등장하는 민어와 조기류에 대한 조사 결과를 발췌하여 소개한다.
난지도 15-17 NANJIDO 15-17 2015, 107×76.5cm, 디지털 아카이벌 피그먼트 프린트에 혼합매체 Mixed media on Digital Archival Pigment Print	나현은 서로 다른 역사적 사건과 기록을 예술적 상상력을 통해 발굴, 병치하고 그것이 은유하는 바를 아카이빙과 다큐멘테이션을 통해 논증한다. 이를 통해 기존 질서를 반복하는 대신 새로운 관점을 제시하고, 객관적 진실에 대해 질문하며, 소외된 것들의 역사를 재구성한다. 이 작업은 바벨탑 프로젝트의 하위 다큐멘트로, 난지도의 귀화 식물을 표본작업하고 촬영한 것이다. 작가는 한국과 독일의 쓰레기 산인 난지도와 악마의 산(제2차 세계대전 시 만들어진)이 전체주의적 민족주의 아래 만들어지고 이용된 것으로 보고, 전체주의적 민족주의라는 환상이 만들어낸 폭력성을 바벨탑이라는 상징으로 드러내고자 했다. 인간의 욕망과 불통을 나타내는 바벨탑은 언어가 달라져 무너져 버렸던 바, 다양한 귀화식물은 무너져 버린 바벨탑의 유적을 실증하게 되는 것이다. 식물의 표본이 단지 사회적, 과학적 용도가 아닌 예술적 상상력을 통한 상징물이 될 수도 있음을 보여준다.

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위대한 야생 Wildlife Picturesque 2013, 84.5×73.5cm(×2), 앤틱 프린트 위에 금사 자수, 유리, 금박 입힌 나무 프레임 Gold embroidery on antique prints, glass, gilded wooden frames	윤가림은 어떤 공간의 전체적인 상황을 연출하는 작업을 통해 그 안에서 맞닥뜨리게 되는 감정이나 심리상태, 인체의 움직임과 감각을 자극하고 환기하는 체험을 실험한다. 특히 이런 개인적인 체험과 심리적인 긴장감을 재연하고 또 새롭게 이끌어내는 것으로써 오브제를 구성한다. 친숙한 사물의 형태를 빌려오되 약간의 왜곡을 거쳐 실제와 상상 사이의 미묘한 차이를 탐험하게 하는 이 작품들은 이미지 이면의 세계를 고민하게 한다. 이 작품은 오래된 고서 위에 금은사로 자수를 놓은 것이다. 삽화를 통해서라도 자연을 포착하고 재현하고자 했던 옛 사람들의 시각적 포획의 욕망을 재연함과 동시에, 자수가 만들어내는 시각적 긴장과 촉각적 감각이 만들어내는 낯선 기억을 통해 그 욕망을 전복한다.

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기본 정보 작품이미지 다운로드 방법	주최: 서울시립미술관 담당 큐레이터: 권혜인 (학예과) 전시장소: 서울시립 북서울미술관 전시실 2 주소: 서울특별시 노원구 동일로 1238 (중계동 508) Tel. (02) 2124-5270, Fax (02) 2124-5280 관람시간: 평일 10:00 - 20:00 토·일·공휴일 10:00 – 19:00 뮤지엄 나이트(매월 1&3주 금요일) 문화가 있는 수요일(매월 마지막주 수요일) 10:00 – 22:00 매주 월요일 휴관 무료 관람 홍보 문의: 홍보담당 큐레이터 김채하(02-2124-8928) 서울시립미술관 웹하드 접속 (http://sema.webhard.co.kr) 아이디: semapress 비밀번호: sema 로그인 후 이미지 다운로드