전시 소개

“내 그림들이 흩어지지 않고 시민들에게 영원히 남겨지길 바란다.”

1998년, 한국 화단의 대표적인 작가 천경자는 시민들이 자신의 작품을 쉽게 접할 수 있도록 60여 년에 걸쳐 제작한 작품 93점을 서울시립미술관에 기증하였다.

천경자 상설전시는 한국화의 채색화 분야에서 독자적인 화풍을 이루어 온 작가의 작품세계와 그 기증의 의미를 되새기기 위해 마련되었다. 이 전시는 ‘영원한 나르시시스트, 천경자’라는 제목으로 20여 점의 작품을 선보인다.

‘영원한 나르시시스트, 천경자’는 꿈과 사랑, 환상에서 비롯된 정한 어린 스스로의 모습을 끊임없이 작품에 투영하는 작가의 작품세계를 은유한다. 천경자의 작품세계는 마치 자신을 비추는 ‘거울’과도 같다.

전시는 이처럼 작가의 자기고백적 측면에서 접근하여, ‘내 슬픈 전설의 이야기’, ‘환상의 드라마’, ‘영혼의 여행자’, ‘자유로운 여자’라는 네 개의 섹션으로 구성하였다. 앞으로도 지속적 연구를 통해 다각도로 재조명될 천경자 상설전시에 대한 많은 관심을 기대한다.

[섹션 1. 내 슬픈 전설의 이야기]

첫 번째 섹션 ‘내 슬픈 전설의 이야기’에는 작가가 결코 벗어날 수 없었던 “숙명적인 여인의 한”이 서린 다양한 모습의 여인들이 자리한다. 작품의 분위기를 지배하는 짙은 한의 정서는 천경자에게 있어 슬프지만 달콤한, 인생으로서의 매력이었다. 작가의 분신이기도 한 그림 속 여인들의 모습에서 ‘달콤한 한’이 깃든 그녀의 인생 이야기를 엿볼 수 있다.

〈여인의 시 Ⅰ〉

<여인의 시 Ⅰ>는 사무치는 고독 속에서 삶에 대한 애착을 드러낸 작품이다. 이 작품은 2점 연작으로 제작되었다. 천경자는 1980년대 중반 여인 누드를 화폭에 적극적으로 등장시키며 특정 모델의 사실적인 묘사가 아닌 자유로운 표현으로서 누드를 그렸다. 1969년부터 1990년대까지는 해외여행에서 지속적으로 원시성, 원시미를 탐구했는데, 이는 인간 본연의 원초적인 모습과 관련된다. 여인의 얼굴과 눈망울에는 고독감이 가득하다. 벌거벗은 채 당당하게 서 있는 여인상은 세상의 모진 풍파 속에서 고고하게 살아온 천경자의 모습이자 생애 대한 애착과 생명감을 상징한다.

〈내 슬픈 전설의 22페이지〉

이 작품은 고독과 저항, 한을 담아낸 천경자의 대표적인 자화상이다. 여인은 뱀을 화관처럼 머리에 쓰고, 붉은 장미 한 송이와 함께 어딘가를 응시하고 있다. 푸른빛의 그림자 가득한 눈매는 광기에 찬 매서운 눈초리이다. 이는 강렬하고 섬뜩한 마녀의 모습을 연상시키기도 한다. 여인의 눈동자는 우리를 향해 있는 것이 아니라 다른 차원의 세계를 향하고 있다. 머리 위에 똬리를 틀고 있는 뱀은 고독한 여인을 달래주는 수호신이면서 동시에 천경자 자신이다. 여인은 인생을 체념하고 속죄하는 초월적 태도를 보여주며, 고독과 슬픔, 한을 넘어선 천경자의 모습이다.

〈엔자〉, 〈스카프를 쓴 엔자〉

<엔자>와 <스카프를 쓴 엔자>는 이국 여인을 소재로 그린 여성인물화이다. 천경자는 1990년대에 들어서면서 ‘신디’, ‘엔자’ 등의 특정 인물을 작품에 등장시켰다. 여인은 소파에 앉아 어딘가를 뚫어지게 응시하고 있다. 화려한 원색 무늬 옷과 장신구들은 장식적인 느낌을 강조해 준다. 천경자는 이국 여인의 얼굴을 정형화시켜 표현했다. 이목구비를 지나치게 과장하여 눈두덩에 적, 녹, 청색 같은 강렬한 원색을 겹겹이 채색하였고 코를 크고 넓적하게 강조했다. 이 같은 표현은 천경자가 ‘아름다운 여자’하면 떠올리던 동네 미친 여자들이거나, 평소 화장하기를 좋아했던 작가 자신의 모습과 동일시된다.

〈꽃무리 속의 여인〉

이 작품은 꽃을 동반한 여성인물화이다. 천경자는 60년대 초중반부터 초상화 형식의 여성인물화를 그리기 시작했다. ‘꽃과 여인’이라는 영원한 테마가 하나의 전형을 이루어 가는 시기이다. 전통적인 한국 여인상과 달리 뾰족한 턱, 치켜 올라간 눈꼬리와 오똑한 코를 지닌 서구적인 인물표현이 특징이다. 천경자 작품의 여인상 하면 떠오르는 목이 길고 가느다란 눈썹의 서늘한 눈매를 가진 모습이 이 시기부터 나타나기 시작했다. 이 같은 여인상은 채색화보다는 1965년 전후로 그려진 삽화와 스케치에서 많이 확인된다. 턱을 들고 손에 괴고 있는 모습, 머리에 꽃장식을 한 모습, 가늘고 긴 손가락 표현 등이 특징이다. <꽃무리 속의 여인>은 율동감 있는 붓질, 자유로운 선의 흐름, 평면적이면서 간결한 형태 표현으로 1960년대 천경자 여성인물화의 전형을 보여주는 작품이다.

〈화병이 된 마돈나〉

<화병이 된 마돈나>는 유명 스타를 소재로 그린 작품이다. 천경자는 1960년대 후반부터 자신이 좋아했던 유명 스타를 화폭에 담아내기 시작했다. 이들은 환상 속 여인이 아니라 현재에 존재하는 구체적인 여인들이다. 천경자는 실제로 배우가 되고 싶어 했고 평생 영화 같은 삶을 살았다. 할리우드 여배우 그레타 가르보와 마릴린 먼로에 이어 팝의 여왕 마돈나를 소재로 선택했다. 꽃을 가득 꽂은 화병에 매혹적인 마돈나의 얼굴은 사실적으로 묘사됐지만 눈망울에 우수가 가득하다. 표정에서 느껴지는 애상은 여성이라는 편견과 차별을 극복하지 못한 유명 스타의 삶에 천경자 자신의 한을 대입시킨 것이다.

[섹션 2. 환상의 드라마]

‘환상의 드라마’ 섹션은 작가의 꿈과 환상, 동경의 세계를 표현한 자전적 성격의 작품으로 구성된다. 젊은 시절의 지독한 가난과 사랑의 상처로 인한 고통을 극복하기 위해 그렸던 〈생태〉에서부터 안정된 생활의 행복감이 깃든 〈여인들〉, 그리고 보티첼리의 작품이 중심이 된 〈이탈리아 기행〉까지. 이 섹션은 시기에 따른 작가의 감정 변화가 녹아든 한 편의 드라마와도 같다.

〈생태〉

<생태>는 처절한 삶의 현실에 대한 저항을 나타낸 작품이다. 수십 마리의 뱀이 화면 중앙에 얽혀 있다. 뱀의 동세, 머리, 눈망울, 표피의 질감 등의 꼼꼼하고 사실적인 묘사가 돋보인다. 작품 속 뱀은 원래 모두 서른세 마리였으나, 사랑했던 뱀띠 연인의 나이를 맞추기 위해 두 마리를 더 그려 넣어 서른다섯 마리가 되었다. 천경자 스스로 뱀을 그린 동기는 ‘오직 인생에 대한 저항을 위해서’라고 했다. 작가는 고통과 슬픔, 분노 등의 내면 감정을 표현하는 수단으로 뱀을 그렸다. 이를 통해 여동생의 죽음, 사랑, 이혼, 경제적 어려움과 같은 삶의 역경을 극복하려 했다.

〈여인들〉

<여인들>은 자전적 요소가 두드러지면서 자유로운 변용과 환상적인 분위기로 전환되는 시기의 작품이다. 1960년대 초중반은 천경자의 삶에서 가장 행복했던 시간으로 작품 속 여인들은 한결같이 면사포를 쓰고 있다. 면사포는 자신이 이루지 못한 신부에 대한 환상과 동시에 욕구불만의 표출이기도 했다. 평면적이고 간결한 형태 해석, 자유롭고 활발한 붓의 율동감, 힘찬 선의 흐름이 화폭을 지배하고 있다. 흐트러진 윤곽선과 거친 표면질감이 특징이다. 천경자는 당시 한국 화단에서 유행했던 추상미술의 개념을 독자적으로 해석하여 환상적인 화면을 연출함으로써 자유로운 표현을 추구했다.

〈초혼〉

<초혼>은 바다에서의 토속적인 제사를 주제 삼은 작품이다. 천경자는 넓게 펼쳐진 광경을 화면에 3단 수직구도로 구성했다. 상단에 위치한 원삼을 입은 귀신같은 여자에서부터 바닷물 속으로 휘몰아치듯 꿈틀거리는 커다란 물고기는 공간을 가로지르며 역동적인 화면을 만든다. 중간층에 멀리 전설적인 배가 떠나고, 아랫부분의 깊은 바다에는 괴기스러운 커다란 물고기가 이빨을 드러내며 용솟음친다. 천경자는 전통적 소재를 작품화하면서 조선시대 원삼자락과 샤머니즘에서 색채미를 찾았다. <초혼>에서 작가는 빨강, 파랑, 노랑의 삼원색을 작품의 주요색으로 사용하기 시작했다. 동양적 소재와 색채 사용을 통한 현대적인 화면 구성과 정신적인 표현은 환상적인 분위기를 연출하며 독자성을 선명하게 드러낸다.

〈이탈리아 기행〉

<이탈리아 기행>은 피렌체의 인상을 바탕으로 3년여에 걸쳐 완성한 작품이다. 천경자는 1970년 이탈리아를 여행하였고, 피렌체에서 르네상스 거장들의 작품을 보면서 깊은 감명과 충격을 받았다. 전통의 맥락에서 새로운 예술을 창조해야 한다는 것을 강하게 인식하였고, 이는 자신의 회화세계에 전환점을 맞이하는 계기가 되었다. 작품에는 여정 중 천경자에게 강한 인상을 주었던 도상이 등장한다. 화면의 중심에는 보티첼리의 화집, 오른쪽에 프라 안젤리코의 <이집트로의 피신> 엽서와 왼쪽 상단에는 천경자의 기행 스케치화 <베니스 산마르코 사원>이 놓여있다. 장갑, 매니큐어를 칠한 손, 트럼프, 술병 등 주요 도상들은 이 작품에서 처음 단체로 등장하여 말년 작품까지 지속된다. 트럼프는 자신의 감정 상태, 술병은 고독했던 여정, 손은 신체의 일부를 나타낸다. 천경자는 소재들을 통해서 ‘나’, 자신을 대변한다. <이탈리아 기행>은 1970년대 천경자 회화양식 형성에 새로운 전기를 마련해 준 작품이다.

〈자살의 미〉

<자살의 미>는 인생의 아픔을 형상화시킨 작품이다. 천경자는 어린 시절 냇가에서 물속에 비친 하늘에 떨어져 죽을 것 같은 공포를 느꼈다. 작가는 어린 시절의 공포를 구름과 수선화에 대입시켰다. 그는 커다란 믹서 속에 수선화를 담고 자기 자신을 갈아대는 아픔을 이야기한다. 믹서를 돌리면 갈기갈기 찢어져 소멸되는 현상은 죽음을 상징한다. 그러나 수선화는 갈기갈기 찢긴 형상이 아니라 활짝 피어있는 모습으로 표현되어 있다. 하얀 수선화는 천경자의 혼이다. 이것은 생을 갈구하는 마음, 고통을 극복하고자 했던 순간을 나타낸다.

〈캣츠〉

<캣츠>는 뮤지컬 캣츠의 공연 장면을 그린 작품이다. 천경자는 뉴욕을 방문할 때면 뮤지컬, 서커스 등 공연을 보러 갔다. 어린 시절 화려한 의상을 입고 곡예하는 소녀가 눈부시고 황홀해 보였고, 곡마단의 소녀가 되고 싶었다. 자신이 갈망했던 배우들의 ‘광기나 습기’를 작업 과정에 빗대어 표현했을 만큼 공연예술에 심취했다. 세계 어느 곳을 여행하든지 공연이 펼쳐지는 곳을 찾아가 스케치를 즐겼다. 뮤지컬 주인공들의 각각 다른 표정과 시선 처리, 섬세한 의상 표현, 역동적인 화면 구성에서 공연예술에 대한 천경자의 열정이 드러난다. 고양이들의 삶을 통해 인간의 모습을 풍자한 뮤지컬의 주제를 화폭에 담아냄으로써 꿈과 환상의 세계를 구현해냈다.

[섹션 3. 영혼의 여행자]

‘영혼의 여행자’ 섹션은 1969년부터 남태평양에서 시작해 인도, 중남미, 미국, 아프리카 등을 여행하며 그린 기행회화로 구성된다. 작가에게 여행은 타국의 사람들과 자연, 풍물을 발견하는 즐거운 시간이었으며, 원초적인 세계를 경험하는 교감의 현장이었다. 여성의 몸으로 원시의 땅을 찾아 나섰던 작가는 시간의 구애를 받지 않으며 마음껏 이곳저곳을 돌아보고 여행에 집중했다. 이 섹션에서는 살아 움직이는 듯 순간의 강렬함을 간직한 작가만의 독특한 기행회화를 감상할 수 있다.

〈타히티 고갱 미술관에서〉

<타히티 고갱 미술관에서>는 고갱이 살던 집터에 세워진 기념비를 스케치한 작품이다. 천경자는 폴 고갱의 흔적을 찾기 위해 타히티 여행을 선택했다. 천경자의 기대와 달리 고갱의 집과 미술관에는 작품은 없고 인쇄물과 유품만 남아 있었다. 고갱 미술관에 도착했을 때 천경자의 시야에 가장 먼저 포착된 것은 야자수 잎으로 씌워 놓은 석상이었다. 빠르게 펜으로 그려나간 야자수 잎과 석상의 형태는 천경자의 필력을 드러낸다. 굵은 펜과 콩테로 기념비에 음영을 주어 형상의 볼륨감을 강조했다.

〈플라사 메히코〉

<플라사 메히코>는 멕시코에서 투우 경기 장면을 스케치한 작품이다. 천경자는 멕시코에 도착하자마자 투우 경기를 관람하기 위해 플라사 메히코를 찾아갔다. 플라사 메히코는 세계 최대의 투우 경기장으로 멕시코 문화를 상징한다. 지역의 대표적인 풍물과 문화는 작가에게 놓칠 수 없는 작품의 중요한 소재였다. 전경의 관람객들을 중심으로 시선을 따라가면 원형 경기장 안에 투우사와 소들이 경기를 펼치고 있다. 꽉 채워진 관중석 인물들, 소들의 움직임, 승리를 환호하며 던진 모자들의 표현은 경기의 생동감을 강조해준다.

〈뉴델리〉

<뉴델리>는 뉴델리 동물원에서 그린 작품이다. 천경자는 뉴델리에서 스케치하기 위해 동물원부터 찾아갔다. 화려한 새들과 흰 호랑이, 표범을 바라보고 있으면 마음이 후련해졌다. 이는 그가 학창시절부터 동물과 곤충을 그리는 데 흥미를 가졌고, 어린 시절 시골에서 자랐던 환경에서 비롯된다. 작가는 시야에 포착된 동물들을 하나의 화면에 구성했다. 배경은 보라색으로 채색하여 동화 속 한 장면처럼 환상적인 분위기를 연출했다. 이국적 풍경을 극적인 상상력으로 변용시킨 개성 있는 천경자 화법을 보여주는 작품이다.

〈탱고를 찾아서〉

<탱고를 찾아서>는 아르헨티나 부에노스아이레스 카미니토 거리 풍경이다. 카미니토 거리는 탱고의 발상지로 환락가였다. 단조로우면서도 애상이 흐르는 탱고는 천경자의 고독과 외로움을 달래주는 삶의 수단이었다. 천경자는 탱고를 스케치하기 위해 아르헨티나로 향했지만 탱고를 제대로 스케치할 수 없었다. 거리 뒷골목은 가난이 묻어났고 판자집 벽에 원색 페인트가 칠해져 있을 뿐이었다. 화려한 색감은 시각적 즐거움을 주고 있지만, 가난한 하층민을 상징하듯 벤치에 고개 숙이고 앉아 있는 사람들 모습에 어두운 그림자가 느껴진다.

〈푸에블로족〉

<푸에블로족>은 산 아래 납작하게 늘어서 있는 푸에블로 촌락을 그린 작품이다. 1987년 천경자는 막내 아들과 함께 두 번째 미국 남서부 지역 여행을 했다. 푸에블로는 뉴멕시코주와 애리조나주, 텍사스주에 부락을 이루어 사는 미국 원주민 부족들을 말한다. 원경에는 진흙과 짚을 으깨 만든 벽돌 건물로 이루어진 푸에블로 인디언들의 정착지를 보여준다. 화면 중앙에는 깃털과 장신구로 치장한 인디언 남녀가 서 있고, 전경에는 선인장에 노란 꽃이 가득 피어있다. 천경자는 화폭을 통해서 인디언 문화를 그대로 전달하고 있다.

[섹션 4. 자유로운 여자]

‘자유로운 여자’ 섹션은 다수의 수필집과 천경자 작품에 대한 대중적인 인기를 불러온 자서전 등의 출판물을 선보인다. 글 쓰는 일은 작가에게 맺힌 한을 풀어내기 위한 일종의 ‘푸닥거리’와도 같은 것이었다. 그가 남긴 많은 책들은 당시 베스트셀러의 반열에 오를 만큼 그림 못지않은 뜨거운 관심의 대상이었다. 문학과 미술의 영역을 자유롭게 넘나드는 ‘문학예술인 천경자’가 들려주는 감각적이면서도 솔직한 언어 속에 삶과 예술에 대한 작가의 남다른 열정이 녹아난다.